À l’atelier, on me pose souvent une question : « Christelle, est-ce que tu ne te sens pas limitée en utilisant toujours la même forme de mug et ce même bleu ? ». Ma réponse est toujours la même : c’est précisément cette limite qui libère ma créativité. Loin d’être une barrière, la contrainte est un moteur qui m’oblige à explorer chaque recoin d’une idée pour en extraire l’essence.
De l’expérience technique à l’évidence du bleu
Pourtant, mon chemin n’a pas tout de suite été monochrome. À mes débuts, j’ai exploré une multitude de directions. En poterie, les possibilités sont littéralement infinies : on peut tester des centaines d’émaux, superposer les couleurs, jouer avec les textures chimiques ou les effets de cristallisation… C’est un terrain de jeu fascinant, mais dans lequel on peut aussi facilement s’éparpiller.
Ma quête a commencé par une recherche technique sur les crayons céramiques. Très vite, j’ai été confrontée aux dures lois de la chimie du feu. Je cuis mes pièces en grès à haute température, à 1250°C, et à ce niveau de chaleur, très peu de pigments survivent. J’avais le choix entre trois couleurs capables de résister à une telle cuisson : le noir, le bleu et le vert.
J’ai tout essayé. Le noir, bien que graphique, ne m’a pas touchée, je le trouvais trop dur pour l’univers de douceur que je voulais créer. Le vert, quant à lui, a été une déception technique : à cause de la chimie de l’émail de couverte que j’utilise pour protéger mes pièces, il ne ressortait pas vert mais virait systématiquement au noir. Quant aux couleurs vives comme le rose, l’orange ou le rouge, elles s’évaporent littéralement à 1250°C ; elles sont réservées à la basse température, comme pour la cuisson de la faïence.
C’est au moment où j’ai testé le crayon bleu de chez Hobbyceram que tout s’est éclairé. Sur ma terre beige brute, ce bleu est resté vibrant et fidèle. L’accord a été immédiat. Ce bleu profond s’équilibrait parfaitement avec la chaleur minérale du grès. C’est là que mon exploration de la céramique artisanale bleue a véritablement commencé : comme une évidence imposée par la matière elle-même
La contrainte comme terrain de jeu graphique
Une fois ce cadre technique posé — une terre, un outil, une couleur — j’ai ouvert une porte vers une exploration graphique sans fin. Travailler sous contrainte m’oblige à réinventer le motif à l’infini pour que chaque pièce reste unique. C’est ainsi que sont nés mes différents décors :
- Les patterns comme le mug à carreaux crayonné pour un côté architectural et vibrant.
- Les rayures au pinceau pour un geste plus libre, fluide et presque marin.
- Les petits dessins minimalistes comme sur les assiettes CHILL pour une touche de modernité et de sourire dès le matin.
Cette unité de couleur permet de créer une véritable famille d’objets. Peu importe le motif que vous choisissez, vos pièces Grandchose s’accorderont toujours parfaitement sur votre table ou vos étagères. C’est la force d’une collection cohérente : on peut mélanger les dessins tout en conservant une harmonie visuelle apaisante.
Cette approche de la création rejoint celle d’un artiste que j’admire beaucoup : Hervé Tullet. Dans son carnet d’inspiration « J’aime bien », il explore justement cette idée que la créativité naît souvent de règles du jeu très simples. Comme lui, je crois qu’en limitant ses outils — pour moi, une même terre, le crayon bleu et une forme de mug par exemple — on libère paradoxalement une liberté immense. Tullet s’amuse avec des points et des lignes ; je m’amuse avec des patterns et des petits dessins simples. C’est en disant « J’aime bien ce trait » ou « J’aime bien ce contraste » que l’on finit par créer une collection qui a du sens et du cœur. C’est une recherche à l’infini.
Pourquoi le bleu ? Une symbolique de sérénité
Au-delà de l’outil, le choix de la céramique artisanale bleue répond à un besoin de calme. Le bleu est une couleur universelle, souvent associée à l’horizon, à l’eau et à la sérénité. En Provence, le bleu est partout, du ciel de Pernes-les-Fontaines aux reflets de la Sorgue. En l’appliquant sur mes mugs et mes bols, j’ai le sentiment de proposer des objets qui apaisent le quotidien.
Le bleu crayonné a cette particularité de ne jamais être totalement uniforme. Selon la pression de ma main, le trait se fait plus dense ou plus léger, laissant deviner le grain de la terre en dessous. C’est cette vibration qui donne vie à l’objet. On ne se lasse pas de regarder une pièce bleue et beige, car elle change selon la lumière du jour, offrant une profondeur que les couleurs trop saturées n’ont pas toujours, sans compter qu’elle donne envie de vacances en bord de mer…
Le geste au cœur de la création
Travailler ainsi me permet d’approfondir mon geste. En maîtrisant parfaitement la forme du mug, je peux consacrer toute mon attention à la précision du trait. Que j’utilise mon crayon fétiche ou un pinceau, chaque décor raconte une émotion différente, tout en restant fidèle à l’esprit de l’artisanat français.
La céramique artisanale bleue telle que je la conçois est une recherche de simplicité volontaire. Il s’agit de prouver qu’avec très peu d’ingrédients — une terre bien choisie, une forme ergonomique et une couleur emblématique — on peut créer une infinité d’histoires. C’est ce défi quotidien, entre rigueur et liberté, qui rend mon travail à l’atelier si passionnant et qui, je l’espère, apporte un peu de cette poésie dans votre intérieur.
